Trata-se de uma dissertação sobre atemática da AIDS no cinemaestunidense com base em umlevantamento e na categorização dosfilmes lançados no período inicial dapandemia da AIDS nos EstadosUnidos nas décadas de 1980 e 1990.Realizamos uma pesquisaexploratória que resultou nomapeamento e no resgate de obrascuja distribuição e o potencialcomercial foram negligenciados pelointeresse das distribuidoras; muitasdessas obras sequer tiveramlançamento em DVD no Brasil. Ointeresse na pandemia de AIDS e aeventual divulgação dessas obras emcinema e locadoras de VHS e DVDda época foi um fenômeno restrito aoperíodo estudado, apesar dapandemia ter se mantido até dos diasatuais. O interesse atual do cinemaestadunidense parece ser o deresgatar esses primeiros anos numarevisão crítica contemporânea. Comonossa análise dissertativa foca noperíodo estabelecido entre asdécadas já citadas, de imediatopercebemos uma relevantesequencia de mudanças no perfilsociológico dos protagonistas dastramas filmicas. Ressaltou aos olhostambém as transformaçõesnarrativas acerca das dificuldades de
tratamento e da luta dos movimentossociais organizados LGBTS. Nestetexto apresentamos brevementealguns aspectos centrais dessanossa percepção em duas obrascinematográficas emblemáticas doperíodo.

O presente trabalho explana os diversos tipos de memórias que permeiam uma sociedade e reforça a importância dos monumentos terem significado na construção da memória coletiva de uma comunidade. Este estudo analisa de que forma os artefatos do Museu Histórico da obra filmíca de “Bacurau”, de Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, se materializaram e se tornaram símbolo de resistência aos ataques de um grupo de extermínio americano, contratado pelo prefeito, para extiguir a mémoria dos bacurauenses. O objetivo da pesquisa foi compreender a memória, enquanto marca essencial das sociedades, representada no filme “Bacurau” em meio às tensões postas na preservação da vida do povoado e dos seus cidadãos. A metodologia utilizada no trabalho foi a análise fílmica de som e imagem, avaliando cenas específicas que revelam cidadãos que resistem e demonstram que as memórias do Museu Vivo de Bacurau foram um artefato de sobrevivência literal daquele povo.

Esta dissertação parte do texto literário comobase para o diálogo da literatura com o cinema,ao apresentar, à luz dos pressupostos deJakobson (2000), Ismail Xavier (2003), SusanBassnett (2003), Julio Plaza (2010) e LindaHutcheon (2013), um estudo comparativoentre os signos literário e cinematográfico,tendo em vista o processo de adaptação comouma (re)textualização criativa e autônomaentre mídias diferentes, por meio da análise de“Indenização em Dobro”, do jornalista JamesM. Cain, e de sua adaptação “Pacto deSangue” (1944), dirigida por Billy Wilder,cujos títulos originais em inglês sãohomônimos – “Double Indeminity”. Paratanto, o trabalho organiza-se em quatrocapítulos, discutindo questões diversas,porém, que se entrelaçam para a defesa de ummesmo ponto de vista, a saber, a ficção noir,enquanto um fenômeno cultural transgressor,que carrega em seu cerne a intermidialidade.Para tal fim, o primeiro capítulo traz umabreve exposição sobre a noção de gênerodiscursivo (BAKHTIN, 2010; TODOROV,2018), seguida de um esclarecimento teórico arespeito do gênero policial, a começar por suaorigem, serializada em folhetins, com EdgarAllan Poe, que fundou a escola de enigma(ALBUQUERQUE, 1979; GUBERN, 1988;BOILEAU-NARCEJAC, 1991;GIARDINELLI, 2013). Por conseguinte,discute-se o romance noir americano,enquanto uma subcategoria policial que surgiu
nos Estados Unidos em revistas de emoçãoentre as décadas de 1920 e 1930, com asnarrativas de crime protagonizadas, em umprimeiro momento por detetives hard-boiledcomo Samuel Spade, de Dashiell Hammet, ePhilip Marlowe, de Raymond Chandler(MANDEL, 1988; SMITH, 2000; SCAGGS,2005; FONTES, 2012). O segundo capítulobusca definir a estética-narrativa do film noir,considerando a sua fase clássica (1941-1958)e suas principais referências artísticas, a partirde estudos como os de A. C. Gomes de Mattos(2001), Fernando Mascarello (2006), MárciaOrtegosa (2010) e Silver e Ursini (2012).Ainda, nesse capítulo, realiza-se uma curtaproblematização sobre os arquétipos da femmefatale e do anti-herói, relacionando-os aoconceito de personagens-tipo (MASSAUD,2015) e à performance de gênero(LAURETIS, 1994; KRUTNIK, 2001;KAPLAN, 2012). No terceiro capítulo, sãoapresentadas algumas questões que envolvema literatura e o cinema, concebendo-as comoformas representativas já consagradas elegitimadas. Em seguida, discute-se osconceitos de tradução intersemiótica eadaptação, tratando de evidenciar a naturezaimpura da própria arte, baseando-se, emespecial, para tal abordagem, em André Bazin(1991), que foi pioneiro em defender aintermidialidade, com ênfase para as maisvariadas possibilidades artísticas advindas dodiálogo entre o cinema e as demais artes.Desse modo, tem-se por último a análise dosobjetos escolhidos, considerando que aadaptação fílmica de um texto literário,mesmo que seja de natureza secundária, é umproduto novo e independente, que deve sercompreendido como tal. Como conclusão, épossível perceber que a ficção noir resguardavalores sociais da cultura estadunidense daprimeira metade do século XX, bem comoestabelece uma relação de intimidade entre anarrativa verbal, o romance noir, e a narrativafílmica, o film noir.

Por entre ângulos, sequências e cenas, esta pesquisa acompanha a história do menino Tito,protagonista da animação brasileira “Tito e os pássaros” (2019), que junto com os seus doismelhores amigos, Sara e Buiu, vivem uma jornada de aventura para descobrir a cura para umaestranha epidemia que transforma todos que sentem medo em pedra. As personagens vivem emuma sociedade, que assim como a nossa, vive uma atmosfera caótica, de instabilidades eadoecimento. Nesse sentido, o estudo se pauta em como a narrativa fílmica, sob o olhar domenino Tito, ajuda-nos a pensar sobre o uso das imagens e das emoções como forma de controlesocial? Para a produção de dados, o estudo se inspirou na etnografia de tela, posturametodológica que inquieta nossos olhares amansados, construindo desaprendizagens sobreaquilo que tomamos como “natural”, localizando outras possibilidades de posicionamento,adentrando outros espaços, outras reflexões, forjando outras formas de olhar a nossa volta;fugindo das imagens-clichês, palavras de ordem e de uma superobediência.

Este trabalho tem como objetivo investigar o processo de criação do fotofilme Não é Exatamente Amor, realizado a partir de imagens apropriadas do Google Street View. A pesquisa propõe discutir a criação da cidade, do espaço e do lugar, a partir de uma construção textual e imagética cujo processo desnudo a tessitura ficcional que entrecruza imagem e palavra na narrativa fílmica. A partir de uma perspectiva interdisciplinar, a dissertação elabora uma metodologia que aborda a documentação e o desenvolvimento do processo criativo durante o seu acontecimento, destacando, na análise, algumas aproximações, tais como: cinema e geografia e espaço urbano versus dispositivo fotográfico, além do processo de criação foto-cinematográfico.

Este trabalho produz e analisa dadossobre as produções audiovisuaisrealizadas em Sergipe com mulheresna direção, de forma a mapear evisibilizar tal produção, deimportância histórica e cultural para oestado. O estudo parte de pesquisaexploratória e documental em fontesde informações diversas – cincofestivais de cinema realizados noEstado e dois portais jornalísticos –para a construção de um catálogofílmico, analisando, em seguida, oconjunto de filmes segundo seugênero cinematográfico e suastemáticas, em especial asrelacionadas ao feminino e aSergipe. Considerando o recorte degênero proposto, utiliza-se comoreferencial teórico uma análisefeminista do cinema, além dequestões relacionadas à preservaçãoaudiovisual no país.

Esta dissertação tem como objetivo cartografar o processo de criação no documentário alagoano Cavalo, tendo como foco a aplicação do ebó fílmico como ferramenta de diálogo artístico, revisitando cenas e material de processo e a partir delas criando relações estéticas. A pesquisa busca construir com este diálogo devires entre os corpos performáticos dos três intérpretes do filme e da arista/pesquisadora em meio à narrativa da mitologia africana. Utilizando de conceitos ligados a experimentos audiovisuais como o Minuto Lumière, proposto por Alain Bergala, e (re) encenação em dança/performance na ótica de Timmy De Laet. A metodologia vai se construindo ao longo do percurso como uma imersão onde as oralituras presentes nos corpos performáticos, juntamente com as escrevivências, se entrelaçam, construindo um grande rizoma de memórias visuais e afetivas, criando uma rede de criação cartográfica.

Esta dissertação tem como objetoprincipal de investigação a poética dametáfora no filme “Hiroshima monamour”, dirigido por Alain Resnais apartir de um roteiro de MargueriteDuras e lançado em 1959. Nessesentido, o estudo sobre a poética dametáfora se orienta pelo viés doamor, da dor e da guerra. A metáforaé uma figura de linguagem muitoutilizada nas diversas manifestaçõesartísticas; ela se faz presentetranscendendo o domínio da estéticae proporcionando novasinterpretações, tornando assim oobjeto artístico atemporal. A partir deconsiderações legadas pelos estudosfilosóficos e literários, de Aristóteles aPaul Ricoeur (2015) e MauriceBlanchot (2018), intencionamosverificar o uso da metáfora pelocinema moderno, com base emteorias de Marcel Martin (2013) eChristian Metz (1980), atravessandoum levantamento específico noestado da arte produzido em torno dofilme. Ao mesmo tempo em que ametáfora reconhece a estrutura lógicada linguagem, ela a transgride; nalinguagem cinematográfica é aimagem que constitui o elemento debase e é através dela que a metáfora vai se manifestar. Em um filme, mesmo que a linguagem verbal se faça presente através dos diálogos, é a imagem que vai prevalecer; ela nos fala sem precisar necessariamente ter que recorrer ao recurso da palavra falada ou escrita, todo o sentido é transposto para a imagem. Essa é a operação que será verificada no desenvolvimento narrativo de “Hiroshima mon amour”, filme que continua a suscitar questionamentos e estudos mesmo após mais de 60 anos de seu lançamento, tanto pela sua estética quanto pelas questões subjetivas referentes ao humano que pode levantar, muito disso se materializando pelas relações metafóricas nele presentes. Nesse sentido, a presente pesquisa se volta mais para a autoralidade de Marguerite Duras, pois percebemos que a metáfora é presente de forma mais marcante em sua obra integral, do que na filmografia de Alain Resnais. Em “Hiroshima” temos um roteiro que se apresenta com suas marcas literárias, apesar disso, é necessário compreender de que maneira as imagens, por meio do recurso da metáfora, nos possibilitam visualizar uma relação do filme com outras linguagens.

A presente dissertação tem como proposta investigar a obra da cineasta japonesa Naomi Kawase (1969-), discutindo a ideia de intimidade e a relação com as práticas ensaísticas e autorreflexivas em sua cinematografia. Para isso, fundamenta-se, no âmbito teórico-conceitual, nos estudos de Michel Foucault (1984, 2004), Gilles Deleuze (2005) e Timothy Corrigan (2015), dentre outros, que embasam uma reflexão sobre três ensaios fílmicos da diretora: Caracol (Katatsumori - 1994), Nascimento e maternidade (Tarachime – 2006) e Vestígio (Chiri – 2012). As indagações que movimentam a pesquisa incluem compreender quais complicações envolvem a transposição de uma experiência subjetiva para uma esfera pública, ou ainda, de que maneira a cineasta utiliza o cinema para expor suas ideias e perspectivas sobre o mundo? Com elas, busca-se observar se existe uma dança entre o eu e o outro que nos faz aproximar tanto das personagens quanto da própria diretora, seja pela proximidade da câmera ou pela partilha da intimidade.

A formação de Cineclubes é uma prática de encontros de pessoas que têm em comum o apreço pela exibição de filmes. No Brasil, diversos encontros foram importantes tanto no fomento das obras fílmicas como na construção de uma cultura de Cinema. Ao longo do século XX, período de desenvolvimento do cinema como técnica e como arte, também de desenvolvimento de um público espectador que mediava suas leituras do mundo pelo cinema, os cineclubes foram espaços fecundos de problematização e reflexão sobre a realidade social brasileira. Pouco se escreveu sobre os cineclubes em Sergipe, principalmente, tendo em vista a relação de memória e história e um resgate da participação dos integrantes, como eles tinham acesso aos filmes, como estas obras vinham a Sergipe, quais as dificuldades que os membros do Clube de Cinema de Sergipe (CCS) enfrentaram durante a transição da democracia dos governos da República Populista da década de 1960 para o regime militar de 1964 até o início da década de 1970. O objetivo central desta pesquisa perpassa por compreender a trajetória do CCS diante do resgate da memória e da sua construção civilizatória. Nesse sentido, buscamos entender o cinema como emblema da modernidade, identificar o papel da arte cinematográfica em Sergipe entre a civilização e a barbárie e visualizar as práticas culturais de resistência civilizatória através dos narradores do CCS, principalmente a partir dos testemunhos memorialísticos de seus integrantes. O Clube de Cinema de Sergipe surge como um agente civilizador da sociedade sergipana, em especial, aracajuana, desde seu próprio funcionamento como uma reunião de pessoas com um objetivo comum que seria assistir às exibições fílmicas e um local de suma importância para a vivência do debate sobre a arte cinematográfica. Desde o CICLA – Cine Clube de Aracaju, passando pelo Departamento de Cinema da SCAS – Sociedade de Cultura Artística de Sergipe que se via o interesse corriqueiro em não apenas sentar-se e visualizar obras, mas, dividir pensamentos e experiências com os demais usuários destes locais. Com o golpe de 1964, mesmo ainda em terras aracajuanas, não se tendo uma forte repressão aos cinéfilos nos primeiros 3 anos do governo ditatorial civil-militar, o Clube de Cinema de Sergipe era o “sopro” de resistência e de construção civilizatória para seus integrantes.

A presente dissertação tem como objetivo analisar a abordagem da Antropologia Política no documentário Terra dos Índios (1979), de Zelito Viana, a partir de bases epistemológicas propostas por Pierre Clastres (1979), examinando as representações dos conflitos, das mediações e das estratégias políticas dos povos indígenas contra o processo de assimilação forçada e na recuperação de seus territórios produzidas pelo diretor no filme.

Esta pesquisa reflete sobre de que modos os filmes documentários, tratando das diferenças e da diversidade cultural, contribuem para experiências de alteridade na adaptação de jovens imigrantes e refugiados. Investigamos, especialmente em poéticas documentais aliadas a demais linguagens artísticas, como se dão as relações interculturais entre pessoas locais e estrangeiros em processos de integração e inclusão em contexto educacional. Para tal, propomos uma análise comparativa entre os filmes Bagages (Canadá, 2017) e Cara do Mundo (Brasil, 2016), fundamentada em estudos de Mikhail Bakhtin (2003) que abordam a alteridade; e também de Alain Bergala (2008) sobre a potência do cinema na educação, além de Denys Cuche (1999) e Homi K. Bhabha (1998) envolvendo as diferenças e a diversidade cultural. Com critérios comparativos respeitando categorias como o contexto de realização das obras, analisamos como as narrativas documentais estudadas foram apropriadas em processos sociais específicos e refletimos sobre o uso desses produtos audiovisuais no processo de construção de experiências de alteridade e de inserção envolvendo jovens imigrantes e refugiados.

À luz dos conceitos presentes na fenomenologia e ontologia do “Ser” do filósofo alemão Martin Heidegger (1889 - 1976), este texto empreende uma análise fílmica do longa metragem The Thin Red Line (br: Além da Linha Vermelha, 1998), escrito e dirigido porTerrence Malick, e sua intrínseca relação filosófica por meio de um cinema de características maneiristas que invariavelmente perpassa por um experimentalismo artístico. Neste cenário, The Thin Red Line (1998) se destaca como uma obra que adquiriu um status de tratado filosófico no cinema, continuando um projeto filosófico do próprio cineasta em fazer do seu cinema uma realização empírica em outra linguagem da filosofia de Heidegger. Como metodologia, adotou-se a Teoria dos Cineastas em diálogo com a Teoria do Autor, proposta pelos pesquisadores André Rui Graça, Eduardo Tulio Baggio e Manuela Penafria, que entendem que o cineasta tem uma teoria expressa em seus filmes, que pode ser alcançada a partir de análises sistemáticas dos próprios filmes em consonância com a investigação do processo criativo e pensamento artístico do realizador-autor.

O presente trabalho empreende uma análise da presença da mulher negra nas telenovelas da Rede Globo, com foco nas produções compreendidas entre os anos 2010 e 2020. Ao executarmos o levantamento das obras produzidas no período, destacamos aquelas em que personagens femininas negras tenham atingido o posto de protagonismo. Sendo assim, selecionamos a telenovela Lado a lado (2012-2013) como objeto de análise, compreendendo que seu enredo destaca as personagens negras as colocando como protagonistas de suas narrativas. A partir da seleção do corpus, nos debruçamos na construção metodológica a partir do pensamento feminista negro e das concepções de análise social desenvolvidas pelas autoras estadunidenses Patricia Hill Collins (2019) e bell hooks (2019)”, além da socióloga brasileira Lélia Gonzalez (2020). Estabelecida estas perspectivas teóricas, buscamos empreender uma análise de conteúdo evidenciando as categorias defendidas por tais autoras. O processo metodológico utiliza o conceito desenvolvido por Rose (2002), intitulada “análise da imagem em movimento”, que leva em consideração a análise especifica dos fenômenos televisivos. Nosso tensionamento central é compreender como essas representações atuam para quebrar noções estereotipadas da população negra em geral e especifico da mulher negra, ou se mantêm conceitos racistas e pré-determinados, que são a maneira comum como a população negra é representada na televisão aberta no Brasil.

A dissertação tem como objetivo realizar uma análise estrutural comparativa do romance O Homem Duplicado (2002), de José Saramago, e de sua adaptação para o cinema, Enemy (2013), de Denis Villeneuve, a fim de se identificar as aproximações e distanciamentos entre as duas linguagens, a literária e a cinematográfica. Como objeto de estudo, selecionamos tanto as categorias da narrativa que são específicas a cada uma das áreas do conhecimento, por exemplo, o narrador onisciente, específica à literatura, e as movimentações de câmera, enquadramentos, angulação, entre outras, específicas ao cinema, assim como as categorias comuns as duas áreas, caso do enredo, das personagens, do tempo e do espaço. Para tanto, apoiamo-nos nos estudos de Todorov (1979), Gancho (1991), D’onofrio (2007), Barthes et. al. (1972) voltados à estrutura das mais variadas narrativas e gêneros literários; nas análises específicas acerca da estrutura do romance, de Silva (2011) e Moisés (1997), nas reflexões sobre a personagem no romance e no cinema, de Cândido et. al. (2000); enquanto que para a análise específica da narrativa cinematográfica foram utilizados Aumont (2012), Martin (2005), Gaudreault e Jost (2009), além de Betton (1987). Para as reflexões relacionadas diretamente ao processo de adaptação cinematográfica, buscamos Hutcheon (2006), como fundamentação.

Esta pesquisa investiga os processos de reterritorilização e insurgências de subjetividades através da invenção audiovisual, tendo como objetos de estudo os longas-metragens brasileiros Era o Hotel Cambridge (Eliane Caffé, 2016) e Los silencios (Beatriz Seigner, 2018). A desterritorialização e posterior reterritorialização são definidos por Deleuze e Guattari (1992) como uma movimentação que atravessa o sujeito em diversas esferas, e que possibilita a criação de novos universos de referência. Já Rolnik (2019) entende a insurgência de subjetividades geradas por estas reterritorializações que vibram por ações ativas contra o sistema colonial-capitalístico imposto. Processos que entendem e ligam intimamente corpos e espaços refugiados, obrvados aqui como criação de corpos e espaços utópicos propostos por Foucault (2013).

O objetivo central desta pesquisa é analisar o roteiro cinematográfico como uma obra de arte que possui valor em si mesma, para além da sua finalidade como base para uma produção fílmica. Muitos estudiosos e cineastas não acreditam nesse potencial literário do roteiro e é trilhando o caminho oposto a esse pensamento que se tentou almejar aqui uma linha teórica, a qual, possamos compreender quando seria que um texto é considerado literário (EAGLETON, 2007; AGUIAR E SILVA, 2007; COMPAGNON, 2019). Tendo a possibilidade de trazê-lo para o campo das Letras irá ser debatido como os diversos elementos que compõem o conjunto da escrita do roteiro se apresentam e se comportam quando nos debruçamos sobre ele; o leitor, que através da leitura completa o processo de criação artística da obra (BARTHES, 2019; JOUVE, 2002), o autor e as aproximações com a historicidade das peças teatrais (CHARTIER, 2002), entre outros elementos que nos levam a refletir sobre esse movimento simbiótico do roteiro nos dois campos artísticos – o cinema e a literatura. Se faz necessário retirar o roteiro desse limbo em que foi colocado desde a sua criação para finalmente entender a sua potência e versatilidade, discutindo o que se entende por literariedade condicional e como ela é o ponto-chave que nos leva as diversas ramificações do debate do roteiro como literatura.

A presente pesquisa analisa a construção das personagens no filme “Amor, Plástico e Barulho” (Brasil/2013), obra da diretora pernambucana Renata Pinheiro, através da análise fílmica cuja inspiração metodológica é a etnografia de tela. A hipótese da pesquisa é a de que a narrativa ficcional em questão faz uma aproximação bastante verossímil no que tange às dificuldades vivenciadas pelas mulheres artistas num ambiente majoritariamente masculino e sexualizado, aspecto que ganha reforço por meio do comparativo entre as minhas vivências e as da minha irmã, como cantoras profissionais pertencentes à setores distintos (música autoral e forró eletrônico, respectivamente).

Esta dissertação de mestrado busca estudar a noção do desejo mimético com base nas discussões teóricas de René Girard, tendo como corpus o livro O primo Basílio, de Eça de Queirós, e a adaptação cinematográfica Primo Basílio, de Daniel Filho, e, como objeto de pesquisa, a relação triangular edificada pelos personagens Luísa, Jorge e Basílio. Assim, o estudo parte do seguinte problema: de que forma o desejo se faz presente na literatura e no cinema? E nos leva a outros questionamentos: como pode ser evidenciada a questão do desejo mimético por meio da relação triangular entre Luísa, Basílio e Jorge, tanto na narrativa literária quanto na cinematográfica? Como essas narrativas se estruturam para representar as relações humanas? Dessarte, nosso objetivo principal é elaborar um estudo interdisciplinar entre cinema e literatura a partir da leitura de O primo Basílio e da sua adaptação cinematográfica, tendo em vista a questão, segundo as perspectivas de René Girard, do desejo mimético. Para tanto, é preciso atingir os objetivos específicos de analisar o livro, trazendo discussões sobre o contexto artístico, sua estrutura narrativa e sua linguagem singular; fazer um estudo do filme, analisando seu processo de tradução intersemiótica, seu contexto artístico, a sua estrutura narrativa e sua linguagem peculiar; compreender a noção de desejo, por meio das discussões psicanalíticas de Freud e Lacan; e entender a noção de desejo mimético, segundo René Girard, a partir principalmente da relação triangular entre Luísa, Basílio e Jorge. Assim, realizou-se a leitura prévia das obras, a fim de compreender sua dinamicidade, realizando a análise por meio de recursos linguísticos-literários presentes no livro (adjetivos e figuras de linguagem) e cinematográficos no filme (fotogramas e falas dos personagens). Posteriormente, se fez necessária a pesquisa sistemática a respeito da tradução intersemiótica, com base nas discussões de Peirce e Jackobson, do desejo, conforme Freud e Lacan, seguido do desejo mimético, segundo Girard, este que é o foco principal desta pesquisa. De acordo com os estudos de Girard, o desejo do homem não se dá de forma isolada, ele é sempre mediado pelo desejo de um modelo, e que a busca pelo que é do outro causa uma rivalidade, que tem por consequência uma violência entre o sujeito e seu modelo, advinda da disputa pelo mesmo objeto de desejo. Ao analisar o corpus dessa pesquisa, percebemos a presença do triângulo mimético na relação triangular entre Luísa, Basílio e Jorge, uma vez que Basílio deseja aquilo que é desejado por Jorge, ou seja, Luísa, o que causa uma grande violência que é refletida especialmente em Luísa, por ser uma mulher inserida em uma sociedade patriarcal. O ápice dessa violência é marcada pela morte da protagonista, que assumiu o papel de bode expiatório da moralidade burguesa do século XIX, no livro, e XX, no filme.

Este estudo tem por objetivo verificar em que medida os arquivos/memórias audiovisuais de Lú Spinelli, bailarina, pesquisadora e ativista cultural, ajudam a compor uma narrativa da história da dança moderna em Sergipe. Tais arquivos são compostos por entrevistas, palestras e gravações audiovisuais de espetáculos seus e de seus alunos, constituindo-se num corpus que permite análises sob diferentes prismas. O estado de Sergipe não possui nenhuma obra que trate sistematicamente do tema, mas sim uma coleção de textos e imagens dispersos por jornais, revistas e repositórios de pesquisa. A metodologia empregada utiliza, num primeiro momento, levantamento e revisão de literatura. Entre os principais autores consultados encontram-se Walter Benjamim (1994, 2000), Cássia Navas (1992, 2017), Lúcia Matos (2002), Carolina Naturesa (2010, 2017), Isabele Launay (2013), Aurore Després (2016), Elisabeth Ribas e Laura Escorel (2020). Uma etapa seguinte tratou da decupagem do material audiovisual - que consiste na descrição detalhada do conteúdo textual, sonoro e imagético do documento audiovisual, como propõe Caldera-Serrano (2014) e, ainda, na análise a partir da abordagem triangular, nos termos propostos por Ana Mae Barbosa (2012). Do ponto de vista do marco temporal, foram delimitamos os últimos dez anos (2005-2014) da produção coreográfica de Lú Spinelli para os festivais de dança da sua escola Studium Danças. Foram selecionadas três coreografias para a análise e decupagem, de acordo com critérios de categorização previamente estabelecidos, constituindo-se, portanto, numa amostra intencional: Dê uma chance à paz – 2007, Ode à Dança Moderna – 2008 e Subversão Tropical – 2009. Cada um deles foi descrito enquanto processo coreográfico, decupado e, com base nos dados, apresentados possíveis fios narrativos. Os resultados apontam para diversas possibilidades narrativas dos arquivos/memórias audiovisuais de Lú Spinelli e são apresentadas, a titulo de proposições, algumas alternativas futuras de trabalho

Esta dissertação objetiva analisar o padrão cultural do Black Metal através do documentário musical. É observado que o discurso proferido em frente às câmeras mantém relações com o horror artístico e natural, sendo amplamente aceita no meio social como representação do subgênero musical. Esta base estético-discursivo auxilia a construção da narrativa cinematográfica, guiada principalmente pelas entrevistas das bandas, sendo responsável pela reconstrução de uma memória através da imagem. Neste contexto, os discursos são relevantes para a construção e demonstração de atitudes que excedem (ou não) um modelo de comportamento comum aceito em sociedade, denominadas na pesquisa como “ExcessoArtístico” (dentro do padrão), e “Excesso do Extremo” (fora do padrão). Estas categorias revelam o imaginário contido na estrutura desta cultura. Para a compreensão da estética distópica, foi exposta a motivação para a adoção deste discurso associada ao horror através dos conceitos de horror artístico e horror natural (CARROLL, 1999); de estética do mal no Black Metal (CAMPOY, 2008); distopia (PODOSHEN, 2014) e estética do excesso (HILDENBRAND, 2015), e como a mesma influencia todas as camadas do subgênero até a produção e divulgação dos filmes, aqui analisados. A metodologia utilizada é baseada no levantamento bibliográfico, principalmente sobre a estética Black Metal; no mapeamento sobre a cinematografia sobre o tema no Youtube; e no estudo multicaso dos documentários. Dentre os 34 documentários musicais envolvendo o Black Metal no período de 1994 a 2017, foram escolhidos para esta investigação: Det Svarte Alvor (1994), Satan Rides the Media (1998), Once Upon a Time in Norway (2007), Until The Light Takes Us (2008), Black Metal Satanica (2008), One Man Metal (2012), Black Metal Siberia (2015) e Bleu Blanc Satan (2017). O interesse é refletir a importância destes discursos, desde a sua origem na década de 90, até a atualidade, em busca de uma unidade, uma identidade que, possivelmente, assume sentido apenas no contexto em que está inserido: a cena underground.

Este trabalho tem como objetivo analisar o universo visual do filme O fabuloso destino de Amélie Poulain (2001) no tocante aos aspectos relacionados à construção da imagem cinematográfica que ressaltaram ideias como morte e vida. Para isso, a pesquisa analisa as metáforas e as mensagens presentes na mise en scène trabalhando planos, cores, objetos, movimento de câmera e recursos técnicos. Este é um trabalho que se desenvolveu a partir da análise fílmica, da descrição e da interpretação das cenas mais emblemáticas que trouxeram significação para a temática. Apoiada na metodologia de investigação de vários autores, a pesquisa mescla correntes neoformalistas, como as estudadas por David Bordwell (2008); correntes formalistas, da montagem de Eisenstein (2002); com abordagens que flertam com a psicologia cognitiva da imagem, de Aumont (2011), e também, a psicanálise, quando se procura compreender alguns símbolos presentes. Por fim, a escolha do filme se deu pela maneira como os aspectos visuais se estabelecem de forma simbólica e criativa na linguagem cinematográfica, mostrando a Arte no cinema.

Este trabalho propõe uma análise que contempla filmes de longa-metragem ficcionais produzidos sobre o Nordeste entre 1995 e 2018. O foco está nos filmes que abordam a região a partir de uma rememoração crítica da história. Com base no conceito de história e noções de Rememoração, Transmissão cultural e Regeneração, propostos por Benjamin (1987), nos voltamos para analisar as realizações que consideramos promover uma rememoração crítica do passado nacional. A partir dos caminhos metodológicos propostos pelo cinema comparado, presente nos trabalhos de Xavier (1983), Souto (2016 e 2017) e Mesquita (2018), nos reportamos aos filmes buscando deles construir uma coleção de obras que se assemelham no sentido de estabelecer uma rememoração não conformista da história. Reconhecendo semelhanças e diferenças, percebemos nesta filmografia contemporânea a repetição de temáticas, tais quais: colonialismo, cangaço, sertão, ditadura, experiência subjetiva no espaço urbano. A partir dessa produção da Retomada (1995-2003) e da Pós-retomada (2003-dias atuais) foi possível identificar subgrupos temáticos: O passado colonial brasileiro e suas implicações no presente; O cangaço revisitado; O sertão contemporâneo e as histórias não contadas; Entre a dor e o afeto: o cinema e a produção de memória sobre a ditadura militar; Dos limites entre o rural e o urbano, o passado e o presente. Observamos que essas realizações apresentam linhas de fuga na representação dos temas históricos que abordam. Eles tanto nos ajudam a pensar o Nordeste distante das representações estereotipadas, como também promovem um debate mais amplo, sobre o Brasil e suas problemáticas históricas do passado e do presente. Entendemos que esse discurso histórico, menos naturalista e mais crítico sobre o país, é evidenciado nos filmes a partir do encontro entre passado e presente que promovem, o que indica o olhar dessas obras sobre a história sem perder de vista os acontecimentos do presente contemporâneo. A abordagem da história nesses filmes atende, portanto, às definições de história de Benjamin, posto que resgatam o passado de modo a elucidar as opressões sofridas pelas classes subalternas, alertando para a continuidade dessas opressões no presente. No entanto, no que tange a regeneração, indicada pelo autor alemão como um estado posterior a rememoração, ainda consideramos estar distante de alcançar.

O objetivo desta pesquisa é demonstrar como 13 Reasons Why, série original Netflix, derivou paratextos que buscam explorar a temática do suicídio na adolescência, analisando como esses materiais paratextuais se aproximam ou se afastam da abordagem do tema na narrativa central da primeira temporada. Lançada em 2017, a trama seriada provocou grandes debates sobre o suicídio abordado na narrativa, principalmente por escolher representá-lo de forma crua e explícita. A hipótese da pesquisa é que os paratextos não apenas ampliam a narrativa central ou divulgam a série como produto, mas também se contrapõem, colaborando para amenizar o tratamento dado ao tema ao longos dos treze episódios da trama. Para analisar a série, a metodologia adotada é a “A poética do filme”, por Gomes (2004). Observa-se que a concepção dos paratextos que focam no suicídio da série é uma tendência que vai além da instância produtiva, ao passo que materiais não canônicos também foram encontrados, tais como fan fictions. No caso dos paratextos, o estudo de Mittell (2015) contempla os paratextos transmídias, promocionais e orientadores.

A presente dissertação tem por objetivo verificar a prevalência do binômio problema/solução na série documental Previdência: de onde viemos, para onde vamos, produzida pela TV Câmara, em 2017, emissora institucional da Câmara dos Deputados do Brasil. Embora seja uma emissora institucional a mesma se apresenta como pública, e como tal será aqui tratada, com o respaldo de Anselmo (2011). O binômio problema/solução deriva dos estudos da Escola documentarista clássico, em especial nos estudos do escocês John Grierson (1966), que via no documentário também a oportunidade para mudar o modo de vida de uma comunidade. Um segundo aspecto ligado ao conceito de documentário é a sua forma. Nesse sentido optou-se por classificar o documentário entre uma das categorias propostas por Nichols (2007): Poético, Observativo, Participativo, reflexivo, performático e expositivo. As análises concluíram que se trata de um documentário do tipo expositivo como será demonstrado ao longo da dissertação. A relação do Poder Público Federal no Brasil com a produção da série selecionada para estudo dá-se, sobretudo, em função da complexa relação entre a tramitação do projeto de reforma da previdência no pais, que vem gerando polêmicos debates em praticamente todas as instâncias da sociedade, marcando uma presença maciça mídia: impressa, audiovisual, internet e redes sociais. Para analisar a série foi utilizado o método de análise fílmica da imagem e do som proposto por Penafria (2009). Os procedimentos envolvem a análise interna e a análise externa. Para a análise interna é fundamental o estabelecimento prévio de um critério de seleção de fotogramas pelo processo de decupagem do filme. O critério adotado foi a seleção de Fotogramas Problema (FP) e Fotogramas Solução (FS). A seleção resultou e quatro fotogramas problemas e 25 fotogramas solução. Os resultados indicam tratar-se de uma série documental que segue o modelo expositivo e que se verifica a prevalência do binômio problema/solução, mas não no sentido originariamente proposto por Grierson, antes no sentido de reforçar a necessidade de aprovação da reforma da previdência nos termos apresentados pelo Governo Federal.

Esta pesquisa investiga as relações entre cinema de horror, infância e feminino. Acredita-se que o exercício de pensamento por meio de um agenciamento com o cinema de horror pode movimentar saberes e poderes acerca da infância e do feminino. Entre imagens, planos, enquadramentos e ângulos, inspira-se na etnografia de tela para analisar o filme A Órfã (Orphan, de Jaume Collet-Serra, 2009) que narra a história de adoção de uma garota de nove anos chamada Esther. A narrativa põe o espectador em contato com os “outros” da infância e do feminino, que ameaçam e aterrorizam certezas sobre o que eles são.

Esta dissertação de mestrado tem como objeto de estudo a violência sagrada no filme Taxi Driver (1976), de Martin Scorsese. E parte das seguintes problemáticas: como a violência sagrada é manifestada em Taxi Driver? Quando a violência é apresentada como sagrada? E quais elementos sacralizam a violência? A violência sagrada é compreendida como a violência transfigurada como transcendental pelo desejo humano, com o poder de purificar e ordenar a humanidade e sacralizar indivíduos ou valores. Nosso objetivo principal é investigar a manifestação da violência sagrada no filme Taxi Driver, a partir de uma análise fílmica focalizada no desenvolvimento do personagem Travis e nos elementos narrativos e audiovisuais da obra. Para tanto, traçamos como objetivos específicos as seguintes etapas: a) compreender o contexto artístico e histórico de produção do filme e a sua organização audiovisual e narrativa; b) discutir sobre a noção de violência sagrada, a partir da teoria mimética de René Girard, identificando as categorias de análise; c) analisar a dinâmica do sagrado na violência de Taxi Driver, a partir das categorias analíticas provenientes do referencial teórico-conceitual. Na análise, verificamos que Taxi Driver apresenta o desejo mimético e a mídia como os elementos sacralizadoresda violência de Travis, que, em seu imaginário, deixa de ser um assassino para se tornar um herói. A mídia aparece como uma metáfora da mediação do desejo transfigurador de Travis, assim como a chuva é usada como uma metáfora da sua violência sagrada. O filme também evidencia a ilusão da eficácia purificadora da violência e a ambiguidade da violência sagrada de Travis, que incorpora tanto elementos do mecanismo arcaico e moderno do bode expiatório como também da violência impura das rivalidades miméticas.Joe

Esta dissertação consiste num estudo acerca da noção de sujeito, conforme a perspectivafreudo-lacaniana, tendo em vista a personagem Macabéa do livro e filme A Hora da Estrela.A pesquisa parte das seguintes problemáticas: como pode ser evidenciado a questão do sujeito mediante a personagem Macabéa, tanto na narrativa literária quanto na cinematográfica, apartir dos pressupostos da Psicanálise? Ou seja, de que modo essas narrativas se estruturam afim de representarem um sujeito, levando em conta o modo como esta noção se constituisegundo Freud e Lacan? Para tanto, nosso objetivo principal é elaborar um estudointerdisciplinar entre Literatura, Cinema e Psicanálise a partir da obra A Hora da Estrela, deClarice Lispector, e da adaptação cinematográfica homônima, de Suzana Amaral. Sendo assim, traçamos como objetivos específicos asseguintes etapas: a) colaborar nos estudos interdisciplinares entre literatura, cinema epsicanálise; b) apresentar traços de afinidades e distanciamentos entre literatura, psicanálise ecinema; c) investigar e compreender a noção de sujeito psicanalítico a partir da personagem Macabéa.Vale ressaltar que a literatura e o cinema representam o homem e sua relação com o meio, os desejos e seus fantasmas, por intermédio da linguagem; nesses campos de representação,vemos narradores e personagens vivenciando experiências, abordando conflitos internos e interpessoais, nos fornecendo um espaço fértil para a discussão sobre a subjetividade humana. É notórioque o sujeito racional, indivisível, cartesiano, com o passar do tempo e com os avanços teóricos e clínicos da psicanálise, revelou ter uma forma dividida, por uma parte consciente, mas por outra resistindo em permanecer desconhecida para si próprio. Tais concepções sobre a problemática do sujeito psicanalítico interferem de maneira direta na maneira pela qual concebemos a obra literária e a cinematográfica, porque sabemos que os personagens e onarrador, durante o desenvolvimento da narrativa podem falar algo a mais e, eventualmente, indicar os traços relativos ao sujeito doinconsciente.

O presente trabalho propõe investigar diferentes ressignificações do feminino na sua relação com o campo cinematográfico para pensar o corpus dessa pesquisa, o cinema com mulheres em Pernambuco. Para tanto, percorremos trajetórias das mulheres e dos cinemas que as atravessam, às margens da lógica do modelo hegemônico do cinema e da sua historiografia clássica. Assim, assumindo a falta e a desmemória que constituem o processo cinematográfico e histórico para com as mulheres, o estudo se dispôs a (re)constituir traços desses percursos. Em um primeiro momento acompanhamos os movimentos das mulheres e suas narrativas históricas pela perspectiva feminista. Da tardia legitimação da categoria mulher, aos processos de ruptura com ideias de natureza essencialistas, também transitamos pelas primeiras incursões das cineastas na realização fílmica, nos contextos nacional e local. Quando então, em diálogo com as articulações políticas e participação na construção de políticas públicas por parte das trabalhadoras do cinema, buscamos entender como se constitui a cena do cinema independente contemporâneo que está sendo realizado em Pernambuco. Por fim, propomos pensar um cinema contemporâneo em movimento e em transformação, com mulheres. Os filmes selecionados, além da autoria feminina, contemplam experiências marcadas pela diferença, refletidas nos seus espaços de partilha, potências estéticas e gestos políticos, confrontando os lugares comuns da representação. Esse estudo sobre cinema é de caráter interdisciplinar e recorre a aportes teóricos de diferentes campos epistemológicos, como os Estudos Culturais, Estudos Pós-Estruturalistas, Estudos Pós-Coloniais, Cinema, Estética e Política, realizando incursões específicas nas teorias críticas feministas.

Este trabalho investiga a categoria da abjeção no audiovisual, problematizando a sua dimensão estética e política nas produções do realizador Bruce Labruce. Para isso, partimos das reflexões acerca da abjeção elaboradas pelos estudos filosóficos, da psicanálise e do gênero, visando estabelecer zonas de convergência/divergência que ofereçam subsídios para esse estudo, e, com o auxílio da teoria do cinema, discutir as articulações dessa categoria no campo da produção de significados da linguagem audiovisual. Por fim, analisamos as manifestações do abjeto a partir dos filmes Otto or Up with Dead People (2008) e L.A Zombie (2010), enfatizando os seus desdobramentos na representação de três aspectos das obras citadas: espaço, existências e práticas, tendo como procedimentos metodológicos a teoria de cinema de inspiração semiótica proposta por Cristian Metz (1971) e a análise de filmes de Manuela Penafria (2009).

O Corpo Negro, inserido nas narrativas fílmicas na condição de personagens ou atores, é considerado um signo, no interior de uma estrutura sintática (ou gramática cinematográfica), em relação a outros corpos, que também são signos da composição; de modo que nas histórias se expressam, segundo nossa hipótese, retratos tanto de uma dinâmica de estabilização (ortodoxas) quanto de dinâmicas de desestabilização (heterodoxas) dos modelos (protótipos, paradigmas, arquétipos) de relação de poder no interior da sociedade brasileira e suas configurações políticas. A estruturação técnica de “montar” um filme já traz em si uma conotação técnica e política na medida em que no momento da sua construção o diretor direciona os fundamentos relacionais que estruturam sua obra a fim de gerar uma estética artística ou cultural no espectador. Partindo destes pressupostos, a presente dissertação tem como objetivo interpelar através dos filmes “Caixa D’Água Qui-Lombo é Esse?” (2013) de Everlane Moraes, “O Corpo é Meu” (2014) de Luciana Oliveira, “Nadir da Mussuca” (2015) de Alexandra Gouvêa Dumas, os processos subjetivos e objetivos pelos quais os filmes abordam as temáticas da africanidade e a afrodescendência a partir da categoria “corpo: território e memória”. Metodologicamente tratou-se de um estudo de análise de filme abordado sob o viés qualitativo. Como resultado as três narrativas fílmicas (dirigida por mulheres negras) percebe-se que o corpo negro só pode ser compreendido pelos rastros da história de corpos apagados, corpos sobre os quais não alcança a história do direito para devolvê-lo ao campo da história afetiva. Ou seja, o discurso do corpo negro nas três obras só fazem sentido a partir da compreensão do corpo negro enquanto território e memória.

Esta dissertação pretende analisar a abordagem da memória, por meio do discurso cinematográfico. A partir das leituras e considerações de teóricos e ensaístas a respeito do tema, engendro as minhas conclusões. O texto tem como marco teórico a memória e sua aplicabilidade na narrativa do cinema e da literatura. Partindo de concepções filosóficas, literárias e cinematográficas sobre a memória, examino o filme do cineasta Leon Hirszman, São Bernardo (1972), feito a partir do romance homônimo de Graciliano Ramos. Na execução da metodologia estabeleço relações entre o filme e o livro, ambos apresentam elementos que dizem respeito à memória, e a partir dos teóricos desenvolvo meu exame.

Este presente trabalho busca analisar a obra do alemão Bertold Brecht no âmbito cinematográfico - em que este atuou em diversas funções - considerando as experiências desses trabalhos, através da análise fílmica em Como mora o trabalhador (Alemanha, 1930), por retratar um período peculiar de sua vasta obra. A chegada de Brecht ao cinema, aqui, neste presente trabalho, configura-se como síntese de uma trajetória que tem como prelúdio sua obra poética e teatral. A pesquisa busca analisar e refletir criticamente obras fílmicas realizadas por Brecht, desde a expressiva década de 20 indo até à conturbada década de 30, sob as perspectivas da linguagem, da estética e das ideias atreladas a um processo revolucionário. A experiência e a dimensão estética e política do pensamento brechtiano flutuam sobre o cinema militante e de vanguarda da República de Weimar e sobre sua matriz no cinema soviético, de onde resgatou elementos essenciais para o êxito de produções cinematográficas, na escrita e nas etapas da montagem. As formulações teóricas do grande pensador Walter Benjamin contribuem de maneira imprescindível para que haja a compreensão exata desta importante fase - a experiência de Brecht no cinema.

Esta dissertação apresenta como peça de indagação epistemológica os modos de enunciação narrativa fílmica da produção audiovisual de esportes considerados “radicais”. A investigação versa, especificamente, sobre as figurações do êxtase enquanto tradução das relações entre as imagens técnicas e os modos de agenciamento e operação da linguagem audiovisual na prática de esportes alternativos que desafiam as forças da natureza. Este estudo se efetua segundo o método ensaístico das imagens de pensamento encontradas duplamente em Walter Benjamin (denkbilder) e em Gilles Deleuze, experimentadas como um exercício de escrita criativa crítica de cinema a propósito das questões de enunciação narrativa fílmica (representações do movimento corporal) dos esportes de ação, em linhas paralelas de reflexão (antropologia simétrica) dos primórdios da invenção do cinema e da videoesfera contemporânea.