O presente trabalho, intitulado de A Educação sergipana como representação cinematográfica: reflexões a partir dos documentários Carregadoras de Sonhos (2010) e Atravessa a Vida (2021), objetiva de modo geral: compreender como o cinema nacional tem representado a as problemáticas da educação brasileira, especialmente em Sergipe, mapeando os desafios político-educacionais, principalmente as tensões cotidianas no âmbito escolar e seus impactos sobre seus agentes sociais (professores, alunos e comunidade em seu entorno). De modo específico, a pesquisa pretende demarcar as produções cinematográficas que nos últimos 20 anos têm problematizado a educação brasileira, de modo especial a sergipana; compreender como as problemáticas sociais e educacionais são debatidas nos contextos fílmicos; estabelecer nexos entre as problemáticas educacionais e suas formas de representação, expressão e reivindicação nos documentários Carregadoras de Sonhos e Atravessa a Vida. Quanto a metodologia adotada no presente trabalho, optamos pela Análise fílmica, amparados em autores como Aumont e Marie (2004), Penafria (2009), e Vanoye (1994). Desse modo, a análise fílmica nos remete a um exame detalhado, uma fragmentação de um filme. Para além disso, ela corresponde a uma decomposição, isto é, descrever e em seguida estabelecer relações entre esses elementos decompostos, ou seja, interpretar. A presente pesquisa fora estruturada em quatro seções: a primeira é a introdução, que contém o recorte e a delimitação da pesquisa. Na segunda seção dedicamos a compreensão do documentário, tanto na apreciação dos conceitos gerais até suas implicações no Brasil. A terceira seção fora dedicada ao debater entorno da criação de um sistema nacional de educação, bem como um projeto nacional de educação. A seção de número quatro fora dedicada a análise dos dois documentários que serviram como corpus da pesquisa. Diante disso, concluímos O modo de representação da educação descrito e evidenciado em “Carregadoras de Sonhos” passa pela exibição das más condições de trabalho, pelas duplas ou até mesmo triplas jornadas de trabalho, que pode prejudicar a qualidade do ensino em função do cansaço do professor, e isso acontece pelo fato da defasagem na remuneração e não valorização do docente. Em “Atravessa a Vida”, a maneira pela qual a educação é representada passa pela compreensão daquele fenômeno sendo visto de um modo ampliado.

A interseção entre o cinema e a arquitetura oferece uma lente ímpar para compreender os desafios urbanos contemporâneos, especialmente atreladas com relação à preservação do patrimônio. O cenário urbano enfrenta uma crescente perda de elementos arquitetônicos e culturais ao longo do tempo. Ao ser introduzido ao âmbito da memória social e dos lugares de memória, apoiados por argumentos de autores como Maurice Halbwachs e Pierre Nora, deparamo-nos com um elemento central para a racionalização do patrimônio como elemento de lugar de memória e de necessária preservação. Foi apresentada uma análise do filme Aquarius (2016), dirigido por Kleber Mendonça Filho. O filme se torna um estudo de caso primordial, investigando a relação entre patrimônio e memória afetiva através da experiência da personagem Clara e seu vínculo emocional com o edifício Aquarius. Através dessa análise, buscou-se discernir se o filme aborda questões de preservação do patrimônio e como isso influencia a construção de uma memória afetiva e social marcada pela resistência. A metodologia adotada compreende uma abordagem analítica e interpretativa, que se manifesta através de uma análise poética do filme, focalizando cenas que explicitamente ou implicitamente refletem as complexidades relacionadas à preservação patrimonial e os desafios urbanos contemporâneos. Essas cenas são analisadas à luz de conceitos como globalização, especulação imobiliária e arquitetura do medo, evidenciando seus impactos na estruturação da cidade e na preservação da memória e do patrimônio. Ao adotar uma abordagem poética do filme, este trabalho revela como as representações cinematográficas podem influenciar o entendimento público sobre essas questões. A análise do filme revela a importância de valorizar lugares de memória relevantes socialmente e a necessidade de resistir à degradação do patrimônio cultural. Ao final do trabalho, os resultados indicam que Aquarius desempenha um papel significativo na promoção da consciência sobre a preservação do patrimônio, especialmente ao conectar elementos arquitetônicos com memórias pessoais e coletivas. Assim, esse estudo se alinha ao seu objetivo geral ao explorar como Aquarius contribui para a construção de uma memória afetiva e social relacionada à resistência e à preservação do patrimônio.social marcada pela resistência. Ametodologia adotada compreendeuma abordagem analítica einterpretativa, que se manifestaatravés de uma análise poética dofilme, focalizando cenas queexplicitamente ou implicitamenterefletem as complexidadesrelacionadas à preservaçãopatrimonial e os desafios urbanoscontemporâneos. Essas cenas sãoanalisadas à luz de conceitos comoglobalização, especulação imobiliáriae arquitetura do medo, evidenciandoseus impactos na estruturação dacidade e na preservação da memóriae do patrimônio. Ao adotar umaabordagem poética do filme, estetrabalho revela como asrepresentações cinematográficaspodem influenciar o entendimentopúblico sobre essas questões. Aanálise do filme revela a importânciade valorizar lugares de memóriarelevantes socialmente e anecessidade de resistir à degradaçãodo patrimônio cultural. Ao final dotrabalho, os resultados indicam queAquarius desempenha um papelsignificativo na promoção daconsciência sobre a preservação dopatrimônio, especialmente aoconectar elementos arquitetônicoscom memórias pessoais e coletivas.Assim, esse estudo se alinha ao seuobjetivo geral ao explorar comoAquarius contribui para a construçãode uma memória afetiva e socialrelacionada à resistência e àpreservação do patrimônio.

Pretende-se, com a presente pesquisa, três movimentos reflexivos principais. No primeiro, partimos da suposição de um novo estágio, ocupado pelo cinema de fluxo, segundo a definição de Oliveira Jr. (2010), na revolução da representação paisagística iniciada na pintura do séc. XIX, tal como foi apresentada por Aumont (2004), através da continuidade do processo de transformação de nossas relações perceptivas com a matéria proporcionadas por essas expressões artísticas. Após, ponderaremos uma possível “metafísica da noite”, em que temos, na constante ameaça do não-ser, proposta por Bachelard (2018), unida aos conceitos de duração e intuição, teses centrais na filosofia e Bergson (1974, 1999), um meio de se experienciar o devir material absoluto. Por último, utilizaremos os filmes Toda uma noite (1982), de Chantal Akerman, e Sábado à noite (2007), de Ivo Lopes Araújo, como meios de concatenarmos os debates anteriormente levantados e, a partir das teorias cinematográficas corporais de Sobchack (1992), propormos novas discussões, a fim de possibilitar respostas à seguinte questão: as paisagens urbanas noturnas do cinema de fluxo apresentam a potência, tal qual a experiência concreta da noite, de nos proporcionar uma intuição da duração absoluta do real?

O presente trabalho busca estabelecer relações entre os curtas-metragens Carlos Nader (1998) do realizador Carlos Nader e Cinema Contemporâneo (2019) de Felipe André Silva, a partir do entendimento de ambas as peças audiovisuais como filmes-ensaio, categoria esta que se constrói no período moderno do cinema, mas que ganha maior relevo sobretudo na contemporaneidade. Fundamenta-se no âmbito teórico-conceitual, nos estudos de Corrigan (2015) e Teixeira (2015) para tratar da expressão da subjetividade presente nos filmes trabalhados a partir da enunciação de um sujeito que se apresenta em primeira pessoa, mas que se desfaz no gesto decolocar-se em relação com a esfera pública, produzindo assim a figuração de um pensamento que ultrapassa o território do que seria uma experiência estritamente particular. A aproximação entre as duas obras manifesta de forma mais consistente a expressão da subjetividade ensaística, nos seus movimentos de inserção e desligamento de si.

Esta pesquisa busca investigar ofenômeno de distribuição conjunta(day-and-date), o lançamento defilmes em plataformas de video ondemand (VOD) e salas de cinema -dos filmes A Febre (2020) e Alvorada(2021) que ocorreram nos primeirosanos da pandemia de Covid-19. Adistribuição é uma etapa importanteda cadeia produtiva cinematográficaque é responsável pelo elo entreobra e público. Para alcançar oobjetivo, foi realizado o estudo decaso de dois longas-metragens, olevantamento teórico sobre campo,cadeia produtiva e distribuição. Nolevantamento de dados para análise,foram utilizadas informações sobre abilheteria, alugueis em plataformas, eentrevistas com o distribuidor daVitrine Filmes e as diretoras doslongas-metragens. Por meio destadissertação, foi possível identificar astransformações, vantagens edesvantagens da estreia conjunta eanalisar os impactos da pandemia nadistribuição de filmes nacionais.

As produções fílmicas de Kleber Mendonça Filho, comoo próprio coloca, tem um caráter crônico de relataraspectos vitais da sociedade brasileira. Partindo desseprincípio, nosso objetivo é adentrar nesses filmes,enquanto campo, fazendo uma observaçãoetnocartográfica desse território, perscrutando aspectosda necropolítica ali presentes. Observa-los nessesfilmes, écomo observá-los na estrutura social, econômica,cultural e subjetiva do nosso país. A necropolíticaconsiste em assumir a permanência de um estado deexceção para um recorte populacional. Ela se mune defalácias científicas e raciais para perpetuar um regime demorte, incitando medo e violência, em nome de perpetuarum sistema econômico e geopolítico que consome vidascom senso de descartabilidade. Para prestar talobservação de como esse conceito é difundido,contaremos com diversos autores, especialmente AchilleMbembe, MichelFoucault, Marilena Chaui e Jessé Souza. Os filmes O somao redor (2012), Aquarius (2016) eBacurau (2019) são aqui os principais campos de estudopara as questões citadas, queemolduraram nas telas de cinema do Brasil e do mundo,provocações vitais para nosso processo deconscientização e, portanto, resistência de violênciascíclicas e ativas.

O longa-metragem paraibano “Batguano” (2014), de Tavinho Teixeira, apresenta pela primeiravez em uma obra fílmica, a versão cuir da dupla Batman e Robin, super-heróis dos quadrinhosque se tornaram populares no século XX que, agora, formam um casal e, envelhecidos edecadentes, enfrentam uma epidemia mortal. Pretende-se investigar, de forma interdisciplinar,a representação fílmica desses super-heróis, como sujeitos cuirs a partir da utilização da categoria camp e suas evidentes marcas de artificio e exagero e dos estudos de sexo-gênero pós-estruturalistas. Dessa maneira, objetiva-se analisar elementos estéticos e narrativos que apontam: a utilização da sensibilidade camp na direção de arte e na mise-en-scène, osdispositivos, os recursos metalinguísticos e a teatralidade performática, categorias que reforçama classificação do filme enquanto um “novo cinema queer”, assim como, refletir sobre oenvelhecimento dos super-heróis enquanto lugar distópico, a partir da interseção da idade comas categorias de gênero e sexualidade. Por fim, apontamos que o filme de Tavinho é uma obracuir, em razão de ter uma sensibilidade estética singular, uma cinematografia que subverteexpectativas, representa a diversidade e desconstrói estereótipos ligados aos homens gays envelhecidos.

Este trabalho apresenta como pontode partida o filme super 8 "Tambor deMina", realizado por Euclides Moreiraem 1979. Nesse sentido, tomandocomo objeto de estudo o ritual detambor de mina apresentado na obra,procuramos entender qual o sentidoatribuído a este a partir da narrativaproposta na película. A película, porsua vez, faz a exposição de umtoque de Tambor de Mina na Casade Nagô, Terreiro centenário situadono centro de São Luís, capital doMaranhão. Outrossim, procuramosdesenvolver reflexões queestabeleçam as diferenciações entreas categorias “tambor de mina” comoritualística e “Mina” enquanto religiãoe complexo de relações queextrapolam os Terreiros. A partir daetnografia de tela - conceito estedesenvolvido por Carmen Rial -,transportando para o campo fílmicoprocedimentos que são oriundos dapesquisa antropológica tais comolonga imersão no campo, observaçãosistemática, registros em cadernos de campo e, associando essa metodologia às ferramentas de crítica cinematográfica como análise de planos, movimentos de câmera, montagem, narração over, buscamos analisar a obra visando identificar suas características que possam embasar tais diferenciações. Como resultados, observamos que nosso objeto de estudo, ou seja, o tambor de mina enquanto religião de matriz africana tal como é apresentado no filme, assim o é como sendo de caráter único, sem nuances ou diferenciações, partindo de uma narração over que procura unificar um conjunto de práticas religiosas, oferecendo uma síntese sobre as práticas heterogêneas da Mina com base na Casa de Nagô. Ainda, observamos que o documentário possui características em sua construção que nos levam a caracterizá-lo dentro do cinema clássico como um documentário expositivo. A partir destas observações, a análise fílmica configurou-se como um eixo teórico norteador para o desenvolvimento da pesquisa.

De natureza qualitativa, este trabalho se propõe a analisar a representação e representatividade femininas, com foco principalmente na primeira doutora mulher como protagonista da série britânica Doctor Who, criada em 1963, considerada a produção de ficção científica mais antiga da história. A série, tem como protagonista o personagem Doutor, um alienígena, capaz de viajar no tempo e espaço com amigos, chamados companheiros, em sua maioria personagens femininas. Quando está próximo da morte, este ser possui a capacidade de seregenerar em outro corpo, truque que permite a mudança de ator, e possibilita a longevidade da série. Durante mais de meio século, todas as suas regenerações haviam sido realizadas em corpos masculinos, porém, no ano de 2017, foi anunciada a primeira mulher no papel de “The Doctor”, uma mudança que gerou grande repercussão, principalmente na internet. Em vista disso, buscamos responder ao longo deste trabalho ao seguinte questionamento: como acontece a representação e a representatividade femininas, em especial, da Doutora na narrativa seriada de Doctor Who sob a perspectiva dos Estudos Culturais e de Gênero? Para tal, valemo-nos da bricolagem de vários métodos, em que por meio de revisão integrativa e análise fílmica visamos analisar a representação e representatividade femininas no universo de Doctor Who, com ênfase no episódio The Witchfinders (2018). Assim, os resultados mostram que a série intencionou se enquadrar, mesmo que tardiamente, no cenário social atual, em que as mulheres vêm alcançando mais visibilidade nas diversas produções socioculturais e também na ciência. As relações de gênero representadas em The Witchfinders evidenciaram o empenho da série em apresentar a história das e de mulheres. A partir da revisão integrativa e da análise fílmica, observamos que as mudanças nas representações e representatividades femininas são percebidas na série, mas continuam num espaço cômodo. Apesar de ter inúmeras personagens femininas ao longo da sua existência, a série apresenta fissuras em representações e representatividades, com alguns avanços, mas, de modo geral, as discussões tem pouco aprofundamento e reiteram estereótipos e segregações.

Esta dissertação investigará o conceito de Cinema de Poesia e as características desse tipo de cinema, buscando comprovar a sua ocorrência através da exploração de traços estéticos e técnicos usados pelo diretor Terrence Malick nos filmes O Novo Mundo (2005) e Cinzas no Paraíso (1978). Essa investigação tem como objetivo analisar os elementos próprios da linguagem cinematográfica para produzir o discurso poético no cinema por meio de uma mudança nos seus códigos convencionais. Para a compreensão desse fenômeno, a pesquisa irá adentrar na ideia geral e também literária do termo poesia e, em seguida, passará por um comparativo com o conceito de prosa literária e, consequentemente, com o cinema prosaico. Após esse embasamento teórico, o estudo do conceito de cinema de poesia será desenvolvido, tendo como fundamento inicial o texto O cinema de poesia do autor Pier Paolo Pasolini. Durante o caminho que trilhará essa pesquisa, espera-se que se amplie os debates e os estudos do fenômeno da poesia e sua ocorrência no cinema e nas demais artes.

A dissertação investigou as representações de conflitos sociais no cinema de horror brasileiro, a partir da análise da obra “O animal cordial” de 2017, dirigida por Gabriela Amaral Almeida. Almejou-se identificar, em especial, como o filme busca representar os conflitos de classe e os danos do capitalismo na sociedade brasileira contemporânea demarcada por uma ainda crescente desigualdade social. Através de uma compreensão sócio-histórica do Horror e das suas representações na arte, assim como da definição do Horror e seus efeitos na Psique humana, a dissertação aqui almeja expor como o Horror no filme supracitado funciona como uma forma de crítica à sociedade brasileira. O horror é um gênero que traz em seu bojo uma relação com aquilo que choca, que provoca o sujeito, de forma que, ao trazer o gênero para o contexto brasileiro levanta consigo o quão horroroso a opressão ao trabalhador pode ser no país, especialmente na contemporaneidade das reformas conduzidas pós 2016. O referencial teórico utilizado na análise perpassou a teoria marxista clássica e contemporânea, assim como novos conceitos acerca da sociedade de Byung Chul-Han (2015) e o conceito do Homem Cordial de Sérgio Buarque de Holanda (2012), ponto central para a própria obra aqui analisada; a análise fílmica seguiu os preceitos definidos por Aumont-Marie (2004), sendo descritiva acerca das cenas, elaborando em cima de fotogramas e diálogos da obra. A análise acabou por elencar como o capitalismo e sua forma mais fluída imposta pelo neoliberalismo acaba por demandar uma exploração total dos sujeitos, extirpando-os da sua dignidade e autonomia pessoal. Outro ponto ressaltado na análise é como a estrutura do capital se consolidou de forma específica no Brasil de modo a perpetuar um sistema violento em que a dominância exercida pela burguesia é sustentada pelo ideário de culpabilização das classes médias e baixas pelo atraso do país.

O presente estudo tem como objetivo investigar as potencialidades pedagógicas do filme Guerra de Canudos, 1997, Sérgio Rezende, a partir de dois grupos formados por alguns dos nossos exalunos e ex-alunas em Fátima, Bahia. Para tal, as referências bibliográficas e fílmicas usadas, formaram a base teórico-metodológica da Dissertação, as quais mediaram o conhecimento sobre o objeto empírico, o filme e as entrevistas/questionário aplicadas aos ex-discentes. Enquanto fundamento, buscou-se apoio teórico em pesquisadores tanto do Cinema quanto da Educação, e da relação Cinema-História como Ismail Xavier, David Bordwell, Robert Rosenstone, José D’Assunção Barros, Jorge Nóvoa, Jaques Rancière e Paulo Freire. O resultado revelou um filme que desenvolve aquelas potencialidades, pois promove e amplia o horizonte cultural, além de despertar a criticidade no indivíduo.

Fundamentamos a presente dissertação nos conceitos do termo distopia e tudo que tange o seu marco teórico e debates ao longo do século XX, a partir de estudos e interpretações de obras literárias canônicas. nesses conceitos que moldaram uma nova forma de prever o futuro por meio da construção de narrativas pessimistas para sociedade. Nesse sentido, propomos inicialmente uma apresentação teórica de cunho bibliográfico e caráter exploratório sobre dois conceitos-chaves como a distopia (Frederic Jameson; Gregory Clayes; Thomas Moylan; Russel Jacoby) e da sua antítese, a utopia (Ruth Levitas; Mariela Chauí; Lyman Tower Sargent). Sequencialmente, identificamos as definições das categorias distópicas, considerando o que se apresenta em obras clássicas da literatura mundial. Dispõe-se na pesquisa, a elaboração de um panorama que ilustra a presença de elementos distópicos em filmes de ficção cientifica e de outros gêneros no cinema mundial e nacional. Assim, entender esse movimento histórico da distopia no cinema com alguns exemplos fílmicos. Para finalmente, o trabalho articular uma abordagem teórica à prática da análise fílmica (temática, narratológica e estética) de seu corpus, o longa-metragem “Divino Amor” (2019), dirigido pelo cineasta pernambucano, Gabriel Mascaro.

O advento das cores no cinema desperta reflexões desde que os primeiros filmes surgiram, quando as escalas cromáticas ainda eram ausentes, mas já problematizavam os efeitos e sugestões ópticas junto aos espectadores. Tamanha foi a polivalência alcançada na transição histórica da colorização manual das películas para a manipulação proporcionada pela tecnologia digital, que identificamos a necessidade de um método capaz de substanciar a legitimação das interpretações possíveis a esse elemento nos filmes. Sob esse intuito, propomos abordar a cor enquanto signo segundo a Semiótica de Charles Sanders Peirce, extraindo da sua Gramática Especulativa, cuja base é fenomenológica, os conceitos-chave que nos servem de referência para pontuar os passos de um percurso analítico que parte do nível dos sentimentos imediatos – o campo estético, alcançando, se for o caso, o nível dos pensamentos – o campo lógico. Partindo dessa abordagem, e localizando as cores na esfera da narrativa fílmica, recorremos a autores como, principalmente, Júlio Plaza (2003) e Lúcia Santaella (2002), cujos estudos usufruem da corrente peirceana para uma semiótica aplicada, e Martine Joly (1994), que transita entre a Semiologia e a Semiótica. Nosso objetivo é constatar e exemplificar o modo como as cores se vinculam ao contexto ou conteúdo dos filmes, utilizando de conhecimentos específicos acerca do fenômeno cromático no cinema, da Semiótica e de instrumentos da análise fílmica, para analisar as qualidades das cores, o que denotam, como o fazem, e quais efeitos podem provocam no intérprete; validando, em certa medida, a atividade e subjetividade interpretativa dos espectadores. Ao propor e demonstrar um método almejamos aprofundar a experimentação fílmica através da camada de sentido cromático.

Esta dissertação propõe compreender o uso do ruído no Cinema de Periferia em produções de curta-metragem de baixo orçamento, para tanto, foram analisados os três filmes da Produtora Filmes de Plástico, dirigidos por André Novais Oliveira, Fantasmas (2010), Domingo (2011) e Pouco mais de um mês (2013). Para desenvolvimento desta pesquisa, foram consultados livros, artigos, entrevistas e filmes que tratam sobre o som no cinema, ruído, silêncio, território e periferia. Uma releitura do “Passeio da Escuta” e “Diário dos Sons” propostas por Bauer e Gaskell (2008) foram utilizadas como metodologia de análise neste estudo.

Esta dissertação parte da seguinte questão: quais as representações históricas do Esquadrão da morte no cinema nacional, especificamente no filme “República dos assassinos”? Objetiva compreender as representações históricas do Esquadrão da morte no cinema nacional, especificamente no filme “República dos assassinos”, para tanto, inicia por caracterizar o surgimento da polícia nas sociedades modernas e dos Esquadrões da Morte no Brasil, suas contradições entre a profissionalização policial e seus usos políticos desviantes de sua função social constitucional. Do ponto de vista teórico conceitual trata da categoria representação no cinema empreendendo uma análise fílmica temática na compreensão dos diálogos entre o cinema nacional e o gênero policial, muito em voga à época de sua produção; assim como uma análise fílmica com destaque à dimensão estética, comunicacional e poética. Concluiu se que, se as representações se formulam em condições históricas dadas, os Esquadrões da Morte ainda eram uma realidade naquele período, porém já combalidos. Se toda representação tem limites que devem ser circunscritos, podemos perceber que os limites ao filme foram impostos pela censura da ditadura, motivo pelo qual em nenhum momento há a mínima relação entre os Homens de Aço e a repressão política. Se toda representação suscita novos conceitos, o filme problematiza a nossa “República” e suas instituições ao representar uma sociedade que está ordenada sob instituições republicanas democraticamente debilitadas. Por fim, se toda representação tem caráter dinâmico, ao colocar o filme em paralelo com a realidade dos Homens de Ouro e Mariel Moriscotte, o filme ainda é uma representação atual da sociedade brasileira, o que nos impulsiona a pensar os nexos entre o passado e o nosso presente.

O cinema é um palco de disputa onde identidades e subjetividades são construídas, negociadas e percebidas dentro da cultura. Nesse cenário, conflitos de representação em relação à periferia referentes a questões de exclusão social, racismo e processos históricos, provocam a discriminação de um amplo setor da população brasileira. Nos últimos 20 anos, com a facilidade de acesso aos meios de produção audiovisual, em conjunto com iniciativas públicas e privadas, como políticas de inclusão e oficinas de vídeo, as periferias obtiveram a oportunidade de elaborar suas próprias representações imagéticas do seu cotidiano e suas vivências. Esta pesquisa analisa esta produção, a partir dos entrelaçamentos e conflitos que se estabelecem entre representações sociais preexistentes, investigando suas estratégias enunciativas e seus posicionamentos, e sua luta por visibilidade e reconhecimento. Tem como objetivo contribuir para um estado da arte sobre a produção acadêmica brasileira em referência ao Cinema de Periferia, no período de 2000 a 2020. Com base na sistematização desse conhecimento, disponibiliza-se um entendimento inédito e mais denso sobre o campo. Além disso, por meio de pesquisa bibliográfica e com uso de metodologia qualitativa, procedeu-se à análise da formação discursiva sobre a periferia no Brasil e de sua representação no cinema nacional. Também refletimos sobre as condições de formação desse cinema e seu panorama político. Por fim, referenciamos filmes, cineastas e coletivos periféricos, e realizamos análise do filme Ela volta na quinta (2014), de André Novais. Concluímos que o cinema de periferia pode ser uma das ferramentas para (re)elaboração de representações sociais, sendo fundamental para o enfrentamento de dispositivos históricos de desigualdade no cinema e na sociedade.

Esta dissertação parte de alguns pressupostos. A América Latina, após o triunfo da Revolução cubana, presencia o avanço de ditaduras militares estimuladas pela lógica do imperialismo norte-americano a fim de preservar a condição de subdesenvolvimento na região. Como contraponto, inicia-se a construção e atuação de uma arte política, militante e revolucionária em diversos setores, em especial no cinema. O objetivo desta dissertação é refletir e investigar as possíveis conexões entre o cinema militante argentino das décadas de 1960 e 1970: Cine de Liberación e Cine de La Base e a noção de intelectualidade orgânica desenvolvida por Antonio Gramsci. Para tanto esta investigação reuniu as principais inspirações e antecedentes deste cinema através da pesquisa documental junto de uma etnografia de arquivos amparada na etnografia fílmica para pensar o cinema enquanto arquivo e interlocutor privilegiado, analisando os filmes La Hora de Los Hornos e Los Traidores, obras inaugurais do cinema militante argentino. Concluiu-se que, o cinema militante argentino dessas décadas repensou e criou uma nova estética para a América Latina. Os cineastas desse cinema repensaram a própria noção de cinema, além de pensar o papel do cineasta/intelectual no desenvolvimento deste cinema e principalmente, fizeram urgente repensar a questão da distribuição para atingir as massas populares e organizar as classes. Justamente nestas ações desenvolvidas pelo cinema militante argentino, é possível estabelecer relações com a noção de intelectualidade orgânica gramsciana.

O webdocumentário (webdoc) tem se configurado enquanto gênero emergente num cenário internacional. Interativo, hipertextual e multimídia, alocado em ambiente digital online ele herda a tradição estética do documentário linear, entendida aqui como processos de composição audiovisual que, em fricção com a realidade, captam imagens e sons, através das mais variadas formas, para compor um banco de dados, que num processo de decupagem dá forma a um filme, onde ao ser exibido, a audiência deva pressupor na maioria das vezes, estar diante de uma obra (subscrita como documentário) descompromissada com a narrativa clássica instituída na forma do cinema convencional. Produzindo obras moldadas por uma experimentação tecnológica e narrativa ainda em desenvolvimento, webdocumentaristas brasileiros, em meio a diversas incertezas se reinventam vivenciando diferentes processos de criação e construindo caminhos singulares para viabilizar seus projetos e dar voz a suas inquietações e de seus atores sociais representados. Estudos acerca de seus processos criativos podem servir de inspiração para novos webdocumentaristas e pesquisadores, revelando obstáculos e escolhas tomadas na produção de um webdoc. Com a intenção de contribuir para uma melhor compreensão deste cenário, esta pesquisa, inspirada por caminhos metodológicos transdisciplinares, pretende aproximar-se de seus objetos de estudo solicitando conceitos e teorias de diferentes áreas do conhecimento, sobretudo da Teoria dos Cineastas, da Crítica de processo de criação em rede, do pensamento decolonial em diálogo com as emergências contemporâneas socio-políticas-ambientais e o estudo mais aprofundado dos processos de produção e fruição de três obras webdocumentais produzidas no Brasil –

O objetivo desta dissertação é demonstrar como a literatura de cordel pode ser assimilada à linguagem cinematográfica, analisando as relações intertextuais entre o folheto popular e o cinema brasileiro. Para isso, partimos da aproximação entre estas duas formas de expressão artística na obra do cineasta Glauber Rocha, delineando o que definimos como "cinema de cordel". Traços fundamentais deste paradigma podem ser verificados até hoje no cinema nacional, como no filme A Luneta do Tempo (2014), de Alceu Valença. Nessa intertextualidade, o cordel assume ao menos três formas diferentes nas estruturas narrativas, marcando a concepção do roteiro, dos diálogos e da mise-en-scène, além de situar o que chamamos de espectador-ouvinte.

O fascínio do cinema pela psiquiatria remonta aos primórdios da própria sétima arte, seja pelo apelo imagético que o adoecimento mental parece ter aos olhos dos sujeitos, seja pela capacidade que o cinema tem de nos fazer (re)pensar o próprio aparato psiquiátrico, a partir de sua representação. E é, mais precisamente, tomando por base esse último aspecto, que o presente trabalho tem por objetivo analisar como é feita a representação, no cinema hollywoodiano, de um dos tratamentos mais antigos e controversos da psiquiatria: a eletroconvulsoterapia. Utilizada até hoje como recurso terapêutico, a eletroconvulsoterapia foi ilustrada em diversos filmes desde seu surgimento, no final dos anos trinta. E até muito recentemente suscita intensos e calorosos debates entre os que a defendem como possibilidade terapêutica justificável e aqueles que a descrevem como um instrumento eminentemente de tortura. Através de um referencial teórico-metodológico pautado na análise visual crítica de Gillian Rose, atravessada por elementos da analítica de discurso de Michel Foucault, foram analisados 13 filmes em que a eletroconvulsoterapia é claramente retratada. As cenas onde a eletroconvulsoterapia é exibida foram extraídas e comparadas, de modo a se procurar continuidades ou rupturas discursivas entre elas. Nesse processo, três formações discursivas atravessam as películas estudadas: 1) a representação da eletroconvulsoterapia de maneira ambígua, mas ainda assim como um recurso terapêutico legítimo, que deve ser utilizado apenas em casos extremos (The Snake Pit, Fear Strikes Out e Shock Corridor); 2) a representação da eletroconvulsoterapia como método de tortura e silenciamento, usada como castigo para regular e docilizar determinados padrões de comportamento de pacientes taxados como rebeldes ou problemáticos (One Flew Over The Cuckoo´s Nest, Frances, Chattahoochee e The Fifth Floor); 3) a representação da eletroconvulsoterapia totalmente desconectada do ambiente da terapêutica psiquiátrica, em filmes bem diversos e que não tem, necessariamente, a psiquiatria como enredo. Nesses casos a eletroconvulsoterapia é representada basicamente de duas formas: A) como elemento de terror (Death Wish II, Child’s Play, From Beyond e House On Haunted Hill); B) como um recurso cômico (The Beverly Hillbillies e The Hudsucker Proxy). O estudo e a caracterização de tais formações discursivas nos deram pistas para investigar os significativos efeitos culturais e políticos que decorrem da representação cinematográfica desse método específico da terapêutica psiquiátrica. Assim, ao final, esta incursão permitiu compreender o cinema como uma linguagem desestabilizadora dos dispositivos de poder, que nos faz repensar nossas próprias certezas e atitudes.

A dissertação visa trazer discussões e praticas entorno do roteiro de documentário. No recorrido desse estudo teremos um caminho teórico trazido por Luiz Rezende recorrendo ao conceito de virtualização para analisar a criação documental; e em outro momento a partir dessa analise propomos decorrer sobre a práxis do roteiro de documentário com o auxilio das leituras de Sergio Puccini. O intuito é ampliar investigações sobre o modo de fazer e pensar cinema, em especial dos documentários, delimitando esse recorte com analise de filmes contemporâneos sergipanos pelo viés de seu roteiro.

Este estudo procura analisar a obra Agripina é Roma-Manhattan(1972), a partir do conceito de “nãonarração” elaborado e exercido pelo artista Hélio Oiticica e das considerações sobre a narração no cinema moderno ancoradas no pensamento deleuziano. Com isso, tem o intuito de, por fim, verificar de que forma a “nãonarração” e a narratividade dos cinemas pós-guerra se aproximam. Para esta investigação foram realizadas pesquisas documental e bibliográfica, bem como análise fílmica. Assim, volta-se para um segmento da obra de Oiticica ainda pouco explorado e possibilita entrever como questões salutares a poética do artista são incorporadas à sua reflexão e prática cinematográfica e dialogam com uma parcela da cinematografia da época.

A presente pesquisa investiga as múltiplas significações do encontro entre cinema e educação através de dois anos de atividades junto ao Núcleo Interdisciplinar de Cinema e Educação (NICE), projeto de inserção social do Programa de Pós-Graduação Interdisciplinar de Cinema (PPGCINE) da Universidade Federal de Sergipe (UFS). O intuito foi estabelecer uma aproximação com os agentes que constroem a escola, compreendendo a prática na instituição em sua diversidade e nos arriscando em possíveis reflexões do encontro entre cinema, estudantes, professores e a escola. Além disso, busco estabelecer uma análise capaz de observar a inserção do pesquisador no campo, já que as atividades foram além da observação participante. Em um primeiro momento, apresento a trajetória da pesquisa e os procedimentos metodológicos e da produção dos dados. No segundo capítulo, apresento uma reflexão sobre a instituição escolar evidenciando aspectos político-pedagógicos que potencializam o papel emancipador do cinema, além de refletir sobre o cinema dentro dessa configuração. Em um terceiro momento, faço uma retrospectiva histórica das políticas públicas, projetos e debates em torno do cinema e educação, do Instituto Nacional de Cinema Educativo (INCE) na década de 1930 até a lei 13.006 de 2014, a fim de compreender a tradição pedagógica do cinema no Brasil. Por último, trago reflexões, fruto do encontro com diversas inteligências, de várias novidades, que são as pessoas e de várias expressões de inteligências, que são os filmes.

A presente dissertação tem como objeto de estudo a paternidade na Alienação Parental, no contexto narrativo dos documentários A Morte Inventada (2009), produçãonacional, de Alan Minas, e Borrando a Papá (2014), produção argentina, das diretoras Ginger Gentile e Sandra Fernández Ferreira. O texto mostra como se caracteriza a paternidade na Alienação Parental e também a sua representação nos documentários supracitados. Ademais, adentramos no Direito, quanto as suas leis referentes ao tema analisado. Refletimos sobre a paternidade diante dessas três áreas: Cinema, Psicologia e Direito buscando compreender as questões de gênero na família, os comportamentos do genitor alienador e do alienante na Alienação Parental. Por fim, identificamos as produções documentais como autorrepresentações, que por meio de atores sociais, representam a paternidade do diretor, no caso da A Morte Inventa, e do produtor, em Borrando a Papá, como genitores alienados no contexto da Alienação Parental. Fica evidente nos dois documentários, que a figura paterna se apresenta como alienada e é intensificada nas narrativas de pais e filhos a respeito das consequências vividas na Alienação Parental.

Esta pesquisa buscou estudar o processo de elaboração da cena documental contemporânea. A ênfase do trabalho foi investigar os procedimentos teórico-metodológicos de elaboração da mise-en-scène utilizados por realizadores(as)-independentes-contemporâneos em seus cotidianos profissionais. O interesse maior está na relação entre sujeito da câmera e pessoa personagem. Neste sentido, buscou-se investigar como os conhecimentos e métodos produzidos e/ou praticados por realizadores independentes se articulam com o próprio saber-fazer da teoria do cinema a partir da aproximação com procedimentos metodológicos e práticas presentes em outras áreas da produção de conhecimento. O intento em verificar as possíveis aproximações e distanciamentos pertencentes a diferentes campos, bem como, observar em que medida esses campos se influenciam e/ou se negam no que compete à elaboração da encenação do filme documental deu-se a partir do processo de realização dos filmes Para que o mundo não esqueça (2019/20) de Pedro Bomba e 144 horas e alguns minutos roubados (2019/20) de Gladson Galego.

A trajetória do literato cubano Reinaldo Arenas se assemelha a de diversos dissidentes políticos em distintos contextos históricos. Finda a euforia revolucionária pós-1959 passou ao combate, pelas letras, ao regime de Fidel Castro e às consequentes perseguições e censuras até o exílio nos Estados Unidos. Em sua autobiografia, Antes que anochezca, Arenas destacou a angústia e a solidão expressa no "grito, logo existo" enquanto síntese do espírito inquieto e livre oprimido, ora pela censura cubana, ora pelas exigências de uma lógica capitalista consumista e individualista. Após ter sido adaptada para o cinema, sua autobiografia foi reforçada e/ou ressignificada na representação da censura e opressão em Cuba. Esta dissertação parte da problemática: quais as representações da censura na Cuba pós-revolucionária expressas na obra areniana e em sua adaptação cinematográfica, Before night falls, de Julian Schnabel? O atual estudo visa analisar a narrativa literária e o filme desta, tendo a censura como objeto e sua representação como categoria analítica. Metodologicamente, assenta-se em dois procedimentos: as representações da censura nos elementos da narrativa literária – tempo, espaço, narrador, personagens e enredo; e as representações da censura na narrativa cinematográfica em relação ao texto original no que tange a reduções, adições, deslocamentos espaciais e temporais, simplificações, ampliações e transformações. Conclui-se que a censura foi um elemento fundante da vida de Reinaldo Arenas expressa na sua autobiografia e referendada ou ressignificada em sua adaptação cinematográfica por Julian Schnabel. Da censura à sua orientação sexual, suas percepções sobre a arte e a vida passando pela censura e perseguição por parte do governo cubano pós-revolução até a censura reflexo do exílio e de sua condição de expatriado, a trajetória de Arenas, na literatura e no cinema, torna-se uma referência fundamental à compreensão das tensões da contemporaneidade sobre a arte, a política e os corpos dos sujeitos.

A pesquisa pretende permear a discussão contemporânea do fazer artístico em áreas acadêmicas correlatas, a arquitetura, as artes visuais e o cinema. Temas tão intrínsecos em si e que se entrelaçam na narrativa do filme Deserto Azul, do vídeo artista e diretor mineiro, Eder Santos. O filme, uma ficção científica, aborda as angústias que perseguem um homem e sua relação com o meio, o encontro com sua alma gêmea e a sua busca por respostas nessa vida futura, no sentindo de transcender. Para além dessa tão abordada dúvida quanto ao sentido da vida, o filme nos apresenta também uma série de referências estéticas da arte e da arquitetura. Tendo como cenários a cidade de Brasília, o deserto do Atacama e obras de arte e performances de 16 artistas nacionais e internacionais. A pesquisa busca entender como se deu o processo de construção cenográfica para criar um ambiente “do futuro” e como as escolhas do diretor através da seleção das obras integrantes do cenário do filme, a escolha de Brasília e o contraponto com o deserto, se dá para a concretização da arquitetura fílmica de Deserto Azul.

Este trabalho investiga a construção de narrativas de autorrepresentação nos curtas brasileiros contemporâneos, realizados por cineastas negras. Para isso, partimos das discussões sobre os conceitos de identidade, diferença e autorrepresentação, propostas pelos Estudos Culturais e por teóricos pós-colonialistas, de modo a problematizar as narrativas de si no cinema contemporâneo. Também nos apoiamos nas teorias do cinema para discutir sobre raça e gênero e os marcos do cinema negro no Brasil, onde se destacam especialmente as construções acerca da mulher negra no cinema de grande bilheteria. Por fim, para atravessar o universo criativo e de coletividade desses filmes, analisamos as narrativas de autorrepresentação e as políticas da coletividade nos curtas-metragens Kbela (2015) e Elekô (2015), a partir dos procedimentos metodológicos propostos por Francisco Elinaldo Teixeira (2012) e pela abordagem da Teoria dos Cineastas, de Manuela Penafria, André Rui Graça e Eduardo Tulio Baggio (2015).

Esta dissertação convida a uma análise sobre a manifestação do êxtase como principal elemento narrativo na construção das personagens escritas pelo roteirista e diretor Hilton Lacerda, especialmente no filme Tatuagem (2013). Tal análise se origina entremeada das seguintes reflexões: Como e quando acontece algum tipo de manifestação extática – e a complexidade desse fenômeno – nas personagens ficcionais apreciadas em um filme tão impregnado de realismo? O que elas conseguem estabelecer? Há estranhamento e distanciamento de si mesmas? Para responder a essas indagações se fará necessário conhecer o percurso fílmico criado pelo cineasta supracitado – pela via do desenvolvimento das personagens, como representações de processos narrativos por meio dos quais a experiência do êxtase define subjetividades marcadas, ética e esteticamente, por uma noção de liberdade. Na busca por esse entendimento, será preciso averiguar algumas referências culturais que fazem parte da construção das linhas de influências do realizador, referentes à sua obra fílmica e ao seu pensamento. Dessa forma, dividiremos nossas reflexões em três partes integradas que estabelecerão o cerne de nosso pensamento. Na primeira parte, intitulada Da recepção à análise fílmica: as personagens e o êxtase, buscamos fazer a decupagem de Tatuagem, para que se contextualizasse a maneira como o êxtase e a subjetividade afluem entre as suas personagens, e como seu processo narrativo tem o poder de dar conta das particularidades de cada uma. Nela, veremos também como outras personagens roteirizadas por Hilton Lacerda se apresentam de maneira memorável no tocante ao êxtase, e como, a partir desse elemento fenomenológico, elas traçam suas vidas. A segunda parte, sob o título Definição teórico-metodológica das noções de personagem, subjetividade e êxtase, consistirá na construção da análise com a explanação de algumas cenas pontuais, acompanhada de uma reflexão teórica sobre êxtase, personagem e realismo, valendo-nos de um arcabouço teórico de estudos filosóficos, teológicos e literários, como também da teoria cinematográfica. Neste âmbito, iremos refletir de maneira interdisciplinar sobre alguns aspectos estético-realistas vibrantemente presentes na obra de Lacerda, cuja principal referência foi trasladada da vivência de um contexto político, histórico, social e cultural brasileiros. Já na terceira e última parte, Tatuagem: uma análise do filme de Hilton Lacerda sob a óptica do êxtase como situação narrativa/dramática chave da construção de personagens, verificaremos como o caminhar de cada uma delas à revelação e ao êxtase se configura através do universo composicional da narrativa do diretor, bem como os reflexos que os paralelos e as suspensões dos protagonistas provocaram na trama. Verdadeiramente, o filme é o texto teórico que se tenta, aqui, decifrar.

O trabalho analisa como os documentários alagoanos, emergidos de oficinas de formação audiovisual, retratam o sujeito comum. A pesquisa está dividida em quatro partes. A primeira consiste em analisar o termo “qualquer” em Agamben, permeado por outros conceitos, como o da biopolítica, o estado de exceção e a sociedade do espetáculo que transforma os corpos do sujeito comum em “qualquer um”. A segunda parte trata do documentário brasileiro, de como a figura do homem ordinário, sua “vida nua” (zoe) e política (bios) foi sendo narrada de acordo com os momentos históricos. Na terceira parte, uma contextualização do audiovisual alagoano e a relevância do ciclo de oficinas de formação audiovisual em Alagoas. A última parte consiste numa incursão empírica sobre o conjunto específico dos documentários realizados através das oficinas de formação audiovisual em Alagoas, para que a partir daí se possa analisar, através da metodologia do Cinema Comparado (SOUTO, 2017), a figura do sujeito comum em quatro documentários que centrados em típicos sujeitos comuns: Anda, Zé Pequeno, anda (2009), O velho e a lagoa (2009), Nome, idade, profissão e onde mora (2009) e Marinete (2011).

O trabalho que aqui se desenvolve tem por tema a videodança. O objetivo, por sua vez, é produzir uma explicação do que é a videodança. O termo explicação, mencionado anteriormente, foi invitado da teoria da autopoiese, conforme propôs Humberto Maturana e Francisco Varela. Completa a tríade das referências teóricas, as quais, agrupamos sob a carinhosa nomenclatura de “teorias do fim das certezas”, a teoria das estruturas dissipativas, de Ilya Prigogine e a geometria fractal, de Benoit Mandelbrot. Arregimentadas e combinadas, fornecem um esteio para produzir reflexões que buscam uma explicação para a questão: que corpo dança na videodança? Outra porção teórica se avizinha em torno de outra questão: que dança é possível ser vista na videodança? A explicação é buscada a partir da compreensão dos parâmetros mais elementares de definição da dança e também a partir da ideia que um corpo pode estar em estado de dança.

O presente estudo desenvolve uma análise comparada do filme “Surname Viet given name Nam” e campos do conhecimento que ajudem a melhorar a compreensão quanto ao cinema realizado por Trinh T. Minh-ha. Assim como esta cineasta, as demais vozes presentes no filme são de mulheres vietnamitas. Como feminista pós-colonial, Trinh T. Minh-ha busca criar modos de agência para essas vozes ao passo que questiona a verdade da razão dos sistemas patriarcais em suas macrologias e micrologias, do discurso que se forja imparcial e transparente ao discurso autorizado que insiste em manter a mulher como um sujeito determinado a partir do olhar do homem. Trinh T. Minh-ha busca a aplicação em sua realização cinematográfica, em estruturas estéticas e conceituais, sua perspectiva ideológica de forma política e engajada de modo a materializar em seu trabalho artístico sua sensibilidade quanto as formas de apresentação das organizações de poder.